FEATURED ARTIST 五つの赤い風船 特集

　今回、僕はどちらかというと止める側に回ったわけです。私たちのために曲を書き下ろしていただけるわけですから、立場上、僕が選んで断るということは出来ないわけですよ。いただいた曲を全部、完成品にするのが役目であって、ここに収容できる以上のものを頼まれても、僕としてはもう請け負えないわけですから、許容範囲で止めたのがこのメンバーなんです（笑）。それぞれの作品にアーティストの個性が出ているわけで、それをどう生かして美しく見せるかということが、私どもの仕事でした。

◆今回のアルバムに収録された、西岡さんのオリジナル曲について
　「缶ケリ」という、アルバム全体のバランスを取るためのお口直しみたいな曲も入ってますけど、最後の「心・静かに」は、アルバムを締めるという意味ではないんですけど、僕が今感じてること、考えていることも入れておきたくて作ったんです。曲を作ってもらっておしまいじゃなくて、一緒にやってるんだよという感じにしたかったので。他のアーティストも、“風船”のこと思いつつも、今こんな感じだよということを言ってるんですよね、表現は違いますけど。

◆2000年の“五つの赤い風船”再結成のきっかけは？
　僕は反対派だったんです（笑）。昔から、この“五つの赤い風船”には苦労させられてますから。“五つの赤い風船”という看板にね。同じことをまたやりたくないな、というのがあったんですけど･･･。最初の“五つの赤い風船”が解散してから、僕はソロでずっとやってきたんですけど、年も50近くなって、リサイタルをやる時に一人もつらいし、変化も付けたいなということで、ゲストとして何人かに入ってもらったんですよ。それが今の“風船”のメンバーなんです。せっかく女性メンバーもいるものですから、お試しみたいな感じで“風船”の曲をやってみたんですよ。そうしたら会場のお客様の反応が意外と大きくて、すごく喜んでもらえたんです。それで、そのシステムでこっちでもやって、というのが続きまして、最終的にアルバムを作ろうということになったんですね。そのときは、まだ誰も“五つの赤い風船”をやるんだ、ということは知らなくて。レコード会社が、グループ名はどうしましょうか、とかじわじわと迫ってくるわけですよ。結局、押し切られて“五つの赤い風船”になった、ということです。結果はそれで良かったと思ってますけど。

◆フォークの原点とは？
　始まりのころは歌い手も聞き手も同じ気持ちでやってる、みたいな部分があるんですよね。自分もそこらの町内をプラプラしている兄ちゃんじゃないか、という意識の方が強いわけですよ。今こんなことを言ったら怒られるんですけど、始まった時のアマチュア精神というのがずっと残ってるんです。そこがフォークの良さかな、みたいな気持ちがするんですよ。「売れなきゃ」みたいな気持ちで出てきた後輩たちもいますけど･･･、最初に僕らが始めた頃は、売れるあてもなかったですから、そんなことも考えなかったですね。最初は数人か、十数人の前でやってたわけですから。

　「受験生ブルース」を書いた中川五郎くんがいるんですけど、大阪のある教会でフォーク集会みたいなことをやっていて、僕も見にいったりしていたんですけど、ほんとに手作りって感じでしたね。五郎くんに女の子がキャーキャーいっても、同年齢の人に自分の思いを伝えてるって感じなんですよね。それがフォークの原点なんだなって、いまだに僕なんかは思ってますけどね。

　僕は、自分でオリジナルを書いていた人が原点なんだと思うんです。高石友也さんがやっていたようなことも出発点にはあると思うんですけど、それよりも起爆剤になったのは、フォーク・クルセダーズですよ。彼等が関西フォークの起爆剤となって、電波にのったり、大きなホールでコンサートもやるわけです。僕らはおこぼれで前座で出たりするんですけどね（笑）。そんな大きなところでやれるんですから、恩恵にあずかってるわけなんです。そうして順繰りに、みんなだんだんと成長していくんですけどね。最初は訳詞でやっていても、そこから脱皮して、オリジナルを書くということが一番のフォークの原点かなという感じがするんです。

◆“五つの赤い風船”の成り立ち
　最初は5人いましたが、アルバム・デビューの時はもう4人になってるんです。丁度、進路を決めなくちゃいけない年頃だったので･･･。ヤマハのライトミュージック・コンテストの関西地区の予選に出て、オリジナルの「血まみれの鳩」をやったんですけど、そのコンテストに出るために名前をつけたんですね。僕がイラストの仕事で「赤い風船と男の子」という絵本を書いていて、メンバーが5人だったから、“五つの赤い風船”はどうだろう、ということで。どうせ1回きりのコンテストだろうし、覚えにくいなるべく長ったらしい日本語の名前にしよう、みたいな半分冗談のようなつもりでつけたんですね。

　今後どうしようか、というぎりぎりの時点になって、自費出版でアルバムを作って解散しよう、と思っていたところに、URCからアルバムを出さないかという話が来たんです。それもただで作ってくれると。これはおいしいなと思って、その話に乗ったがために、やめられなくなったんですけどね（笑）

◆“五つの赤い風船”の音楽について
　僕には上に兄が3人いて、子供のころから、家ではクラシックからジャズ、広沢虎造の浪曲まで、いろんなものが流れていて、それぞれが並んでいても違和感がなかったんです。その当時、ラジオからはいろんなタイプの音楽が流れていて、自分なりにチョイスしたりして、音楽を聴いていたわけですね。その中には、ミュージック・コンクレートのようなものもあれば、破壊的なモダン・ジャズもあって、自分のやりたいようにやればいんだな、という感覚が芽生えたんでしょうね。それと、僕は美術を専攻していたということもあって、捉え方とか考え方が、ダダの影響があったりするものですから、創作に枠をはめるというんじゃなくて、むしろとび出していくという感覚のほうが強かったですね。絵の具でキャンパスに絵を描くように、言葉とメロディが僕にとって絵の具のようなもので、人のやってないことをやる時の楽しみといったら堪らないんですね（笑）。誰もまだ気付いていない時に、やるっていうのがね。

　時代背景でもある、プロテストということでいえば、最初はみんなアジ演説に近いような歌を歌ってましたよね。ガナったりとかして。メルヘンっぽいことをやってる“風船”は別という感じの時代だったんです。でも、僕はちゃんと音楽をやったほうがいいと思ってたんですね、心のひだに伝わっていくような何かを。プロテストするにしても、ストーリーなり詞としての役割があって、そこにメロディが乗って、歌になっているほうがいいんじゃないかと、それが僕の考え方だったんですね。まだ、方向性もわからない時代でしたけど、ハーモニーを使っていいものを作ろうと、独自な路線でやってましたから。別に先見性があったというわけではなくて、感覚だけですけど。

◆アレンジの斬新さの秘密は？
　当時からゲイリー・バートンとかミルト・ジャクソンが好きでしたから、ヴィブラフォンと生ギターが合うんじゃないかと思ったんですね。木田高介（ex.ジャックス）が参加しくれて、彼はもっと専門的な勉強をしてましたから、僕よりはるかに上手い人なんです、フルートも何でも出来るし。彼は、あの当時の唯一の天才ですよ。惜しい人を亡くしました。アレンジをする時に、それまでの人が使っている常識的なアレンジじゃ面白くないし、誰もやってないアレンジで音楽を作る、というのはメンバーの合意でしたから。僕がオートハープを使うのも歓迎されてました（笑）。

　URC音源が再発で出てますけど、今、自分で聴いても「こんな音作ったんだ！？」というのがありますからね(笑）。『New Sky』の片面１曲というのも、あれは、外の音のコラージュと、情念の詩（死？）との絡み合いなんですけど、具体的に「何」というのではなくて、抽象絵画みたいな作りになってるんですね。全体の感覚で聴いていただいて、それぞれの好きな感じ方でいいんですけどね。木田高介と一緒に作った『溶け出したガラス箱』を、オーストラリアから出したいっていうオファーがあって、『メルティング・グラスボックス』というタイトルで出るみたいですけどね（笑）。

◆「遠い世界に」を歌い継ぐことについて
　現実問題として、「遠い世界に」とかをやると、お客さんが一緒に歌ってしまうものですから（笑）。これまでの伝統を守ろうというつもりではないんですが、逆にいうと、過去のものをカバーするにしても同じことは絶対にしないというか、今の感覚、今の自分たちが持っている音楽で表現しているんです。ただ、コンサートの時は、「遠い世界に」は勿論、「血まみれの鳩」や「まぼろしのつばさと共に」とかをちゃんとやらないと、お客さんが帰してくれないんです（笑）。


70年前後の時代背景や、中津川フォーク・ジャンボリーの意義などが、時代を経るにしたがって人々の記憶から遠いものとなっていくのに比べ、「五つの赤い風船」が残した音楽は、今の若い音楽ファンに再発見されている。自由な感性で斬新な音作りがなされていた『おとぎばなし』や『巫ＯＬＫ脱出計画』、『溶け出したガラス箱』などを探し出して是非、聴いて欲しい。「遠い世界に」だけが、西岡たかし＝「五つの赤い風船」の世界でないことがわかるはずだ。でも、「遠い世界に」が、明日の日本にとって大切な歌であることには変りない。

（取材＆Text：遠藤哲夫）